Por Ignacio Gutiérrez Zaldívar

Es mayo el mes de mayores ventas de arte en el mundo, generalmente cambian de mano objetos por valor de 5 mil millones de dólares, pero el virus no ha permitido convencer a los dueños, de los objetos a vender, que la venta on-line sea el modo apropiado y la mayoría de los grandes lotes han pasado a estar en venta privada o bien a la espera que en noviembre todo esté superado.

Las pocas cosas de altos precios se han vendido muy bien, no es normal ver un Paul  Klee con una base de 2 millones y mucho menos verlo venderse en 4,5 millones de dólares. Una témpera de Magritte se vendió en 2,2 millones y fue otra sorpresa. Los precios y las bases eran más bien bajos y por lo tanto se vendió un alto porcentaje. Esta semana se vendió arte de Vietnam en París y se recaudaron 8 millones de dólares.

Ahora Phillips ofrecerá dos obras con bases superiores a los 10 millones de dólares, un Basquiat y un Joan Mitchell, y se harán importantes ventas en simultáneo en seis ciudades para que nadie quede sin pujar. Una de las obras más lindas es de Wifredo Lam y busca superar todos sus precios ya que se piden 8 millones de dólares por ella. El artista nacido en cuba  vivió en París y era fanático del arte africano, veremos que pasa con ella.

Nadie tiene claro cuándo se va la peste o cuándo viene la vacuna, por lo tanto estos tiempos son de imposibles pronósticos y podríamos llamarlos de “masacre de inocentes” ya que serán menos del 50% los agentes del mercado que quedaran de pie. Todo se achicará y volver a los números del 2019 llevará mínimo una década.

Pienso que los chinos serán el segundo mercado del mundo y Londres perderá ese lugar, los americanos seguirán dominando el mercado y por nuestras tierras hay que aplaudir la tarea de AZUR que ya ha realizado 4 subastas en medio de la pandemia, algunos aun no han realizado subastas. El gasto y las inversiones están en tiempo de espera y eso se nota en el mercado, durante un tiempo seremos los comerciantes aquellos que compremos los objetos que se ofrecen para volverlos nuevamente al mercado cuando los compradores retornen al mismo.

Por Ignacio Gutiérrez Zaldívar

Es curioso ya que Francia es la número uno en promocionar y difundir su arte y ha sido la primera en comprender que el arte es uno de los mayores atractivos que tiene el turismo.

Nacido en 1881 y fallecido en 1955, hay un museo en su honor en  la ciudad de Biot, con 400 de sus obras, que queda a solo 20 km de Niza y a pocos kilómetros está el mejor restaurante del mundo, MIRAZUR, del encantador genio Mauro Colagreco, con lo cual le agregamos una visita al Casino de Montecarlo y ya tenemos un fin de semana inolvidable (cuando termine la cuarentena).

El padre de Léger fallece cuando Fernand tiene tan solo 2 años. Cursa estudios regulares, y también con un arquitecto durante dos años, y a los 19 años lo tenemos en París, donde ingresa a la Escuela de Arte Decorativo porque no había lugar en Bellas Artes, igual hace algunas clases con un gran pintor realista, y el mejor en temas orientales, que fue Jean-Léon Gérôme. Sus primeras pinturas son de carácter impresionista, en 1907 el gran acontecimiento es la retrospectiva de Paul Cézanne que vuelve fanánticos suyos a la mayoría de los artistas de la época, luego que había sido denostado durante su vida e incomprendido por todo el ambiente cultural. Es el gran momento del cubismo con Picasso y Braque a la cabeza, y con la incorporación de Léger que nos describe un mundo industrial con figuras de conos y cubistas, los tres artistas son representados por uno de los mayores marchands de la historia, Kahnweiler, quien luchó para imponerlos. Léger hace escuela y su obra de la década del diez es fundamental dentro del arte moderno. Son el famoso arquitecto Le Corbusier (hay una casa diseñada por él en La Plata) y Ozenfant los que siguen su estilo y criterio con gran calidad.

Realiza su primera exposición en la década del veinte y la figura de mujeres pasa a ser su tema principal. En 1935 el MOMA de Nueva York le realiza una retrospectiva y otro tanto el Instituto de Arte Moderno de Chicago, también durante la guerra se queda a vivir en Estados Unidos y da clases en la universidad de Yale. Meses antes de morir gana la Bienal de San Pablo en Brasil.

No es un artista muy valorizado, se pueden comprar obras suyas en el rango de los 300 mil dólares, pero las más cotizadas y más escasas son las de la década del diez, que se han pagado entre 70 y 22 millones de dólares. Sus precios son estables, han subido solamente un 24% en los últimos 20 años y el precio de sus grabados ha bajado un 50%, son témperas la mayoría de sus obras y aparecen en el mercado cada año un centenar de ellas, pinturas son aproximadamente 30 las que se ofrecen y esculturas, que son generalmente cerámicas, unas 10 y su mayor precio fue un millón por una gran cerámica.

En nuestro Museo Nacional de Bellas Artes hay una lindísima obra que podremos ver cuando nos abran la tranquera.

Por Ignacio Gutiérrez Zaldívar

Nació y vivió sus primeros diez años en Letonia (1903-1913). De familia judía, recibieron hostilidades por parte de la población rusa, hizo la escuela normal sin ninguna particularidad con el dibujo y la pintura. Su padre parte con dos de sus hijos mayores a Estados Unidos y se radican en Portland, Oregón. Allí trabajan en la industria textil y luego de tres años logran traer a Mark, su hermana y su madre quienes habían quedado en Letonia. Al poco tiempo fallece su padre y la familia debe hacer cualquier tipo de tareas, Mark se convierte en buen “canillita” que distribuye el diario local, continúa sus estudios y logra entrar en la Universidad de YALE en 1921. Su idea era ser abogado o ingeniero, y luego de casi tres años la abandona y viaja a Nueva York donde se dedica a pintar especialmente retratos. Entra en una escuela de arte, porque era autodidacta, y tiene la gran suerte de tener a un genio como maestro y mentor, Arshile Gorky, uno de los más grandes artistas que trabajó en Manhattan y que desarrolló el surrealismo con personalidad y profundidad, son años brillantes en Estados Unidos, el presidente decía que la prosperidad estaba a la vuelta de la esquina, hasta que llega el 29 y la gran depresión, y una desocupación equivalente a la actual con la pandemia.

Mark consigue trabajar como profesor de pintura y lo hace en un instituto desde 1929 hasta 1952. Comienzan sus exposiciones, generalmente de acuarelas y grafitos, en la década del treinta en Oregón, donde era más fácil exponer, en dicha década en Nueva York exponían Cesáreo Bernaldo de Quirós y Benito Quinquela Martín.

La pintura de Rothko se podía encasillar en el surrealismo y además de su maestro, en el grupo de sus amigos y colegas, era la figura de Milton Avery, pintor figurativo, a quien todos admiraban. A partir de 1947 es que aparece en la pintura de Rothko la imagen que conocemos de telas con dos a cinco  colores, generalmente cuadrados y rectángulos de color y con bordes que van despareciendo en sus lienzos. Es uno de los artistas más demandados en el mundo actual y algunas de sus obras se han vendido privadamente en más de 100 millones de dólares. En subasta una lindísima, que era de David Rockefeller (parecía la bandera española), había sido comprada en 1960 en Knoedler Gallery en 5 mil dólares y hace una década un marchand sudamericano le comentó que creía que valía 15 millones de dólares, al coleccionista le pareció un disparate y consultó a las casas de remate que confirmaron la tasación, la manda a subasta y se vende en 82 millones y el comprador fue la Jequesa de Qatar (Rockefeller donó todo el dinero que le liquidaron por ella, cerca de 70 millones).

La obra fundamental del artista le llevó 3 años y son 14 telas negras que se encuentran en la pequeña capilla que la familia Menil hizo construir en Houston, la misma se inauguró en 1971, al año siguiente de la muerte de Rothko, no tiene religión establecida, no está consagrada y es para todas ellas, se justifica conocer Houston por esta capilla y por el estupendo museo que la familia Menil ha realizado.

Sus pinturas son muy herméticas, espero con estas líneas ayudarlos a disfrutar un poco más de ellas.

El Sevillano es el más admirado de los pintores de la historia.

Por Ignacio Gutiérrez Zaldívar

Es mi favorito y lo primero que hago en Madrid, luego de dejar la valija en el hotel, es correr al Museo del Prado a saludar a mi amigo y genio don Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660). 

Fue pintor de pocas obras, en sus 60 años realizó unas 120 o menos según expertos más rígidos, pero no importa, simplemente con las tres que acá reproducimos alcanza para ser el número uno.

Usó el apellido de su madre, como también lo hizo el otro genio Pablo Ruiz Picasso, era una costumbre andaluza. Era el mayor de los 8 hermanos y vivían en Sevilla que era la más importante y populosa ciudad de España por aquel entonces. También allí trabajaban Murillo y Zurbarán, parece mentira que los tres sean contemporáneos y que vivieran en la misma ciudad, las pinturas que hacían eran encargues de las órdenes religiosas.

A Velázquez lo ponen a estudiar con Pacheco, que era un gran teórico y no tan buen pintor. A los 18 años ya recibe su patente de pintor y también se casa con una niña de 15 años que era la hija de su maestro Pacheco. Sus primeras pinturas son algo tenebristas y nos recuerdan a Caravaggio, cuyas obras no conocía y posiblemente las conoció en Roma cuando viaja diez años después. A los 24 años viaja a Madrid que tenía a muchos andaluces en la casa real con el Rey Felipe IV, quien tenía solo 6 años menos que Velázquez, y el más influyente era el Conde-duque de Olivares, quien lo hace pintor del rey y de la Corte, esto le da una gran tranquilidad económica, pero lo único que importaba para Velázquez era ser noble y desgraciadamente el único dudoso antecedente que tenía era el abuelo paterno y era en Portugal.

El primer viaje a Italia fue para ver y estudiar pintura y el que lo recomendó fue Pedro Pablo Rubens que se  pasó un año en Madrid, copiando obras de la colección del Rey y ejerciendo acciones diplomáticas, era como un Kissinger de la época, el maestro flamenco. Diez años después realiza otro viaje a la Península con la excusa de comprar obras para la colección del Rey, y en Venecia compra algunos Tintoretto y Tiziano y pinta tres de sus mayores pinturas. El retrato de Inocencio X, que se encuentra en la poco conocida galería Doria Pamphili, es el que luego recreó unas 40 veces Francis Bacon.

El único desnudo que se le conoce, “La Venus del Espejo”, que se encuentra en Londres en la National Gallery y que quizás sea el más bello desnudo jamás pintado, aún se discute quien es la modelo, que pareciera ser una joven pintora Flaminia, más que amiga de Velázquez. Y el tercero que pintó en Roma fue el de su esclavo “Juan de Pareja” quien también era pintor, lo liberó allí a condición de 4 años más de servicios que eran importantes porque era el que le preparaba los colores y los lienzos. Esta obra apareció en el mercado en 1970 y fue promocionada como la única obra que superaría el millón de dólares (eran otras épocas claramente), se vendió en 5 millones de dólares y esta en el Metropolitan Museum de Nueva York.

Finalmente en 1658, y gracias a una gracia papal, se logra que Diego sea noble e integre la Orden de Santiago, dicen que fue el mismo rey que pintó en el pecho de Velázquez en su cuadro “Las Meninas”, la famosa cruz que acá es isologo del Banco de Galicia, sino es “vero es ben trovato”.

Este genio y nuestro Gardel, cada día cantan mejor.

Entre el realismo del siglo XIX y los impresionistas se encuentra la figura de Manet, que era idolatrado por sus colegas impresionistas, pero nunca perteneció ni expuso con el grupo. Édouard pertenecía a una familia acomodada, que soñó par él una carrera de abogacía o bien en el ejército, por suerte fue rechazado en cursos de ingreso a dichas carreras y terminó estudiando pintura en París.

Siempre buscó la consagración y el reconocimiento a través de lo que se llamaba el “arte oficial” que significaba triunfar en los salones anuales de la Ciudad de la Luz. A diferencia de la mayoría de sus colegas, quienes representaban imágenes de literarios o de temas religiosos, Manet se ocupó de reflejar lo que hacía la burguesía: bares, hipódromos, corridas de toros y siempre buscó “escandalizar” a los jurados de los salones y lo logró con creces.

 Decía que el mayor pintor de la historia era don Diego de Silva y Velázquez, y coincidimos con él. Viajó a España durante tan solo diez días pero la pintura hispana caló fuerte en sus entrañas. Baudelaire y Zola, los grandes escritores de la época, fueron sus amigos y lo admiraban. En 1865 se produce el primer “escándalo”, le rechazan su obra “Almuerzo en el Parque” y es expuesta en el Salón de Rechazados. Tanto se comenta la obra que su nombre comienza a ser conocido, una lindísima mujer desnuda está de pícnic con dos señores muy bien vestidos y una compañera que está en el fondo, esto daba a entender que en los parques públicos de París había sexo y no se lo quería admitir. Al año siguiente, insólitamente, es admitida “Olympia” con Victoria, la misma modelo que reúne también algunos datos que nos permiten deducir que es una “trabajadora sexual”, como parece que hay que decir ahora, lindísima obra fue la consagración final de Manet. Nuestro Cesáreo Bernaldo de Quirós realizó también en París una obra similar, que causó también mucho revuelo porque la modelo tenía abundancia capilar en la zona baja, y en varios museos no se la dejaron exponer, hombre práctico el entrerriano la “depiló” con el pincel… Sería lindo que el Museo Nacional de Bellas Artes la saque de su reserva, y su larguísima cuarentena, y nos la deje admirar algunos días.

Otra obra lindísima y muy criticada en el Salón de París fue “El Bacón” donde la modelo principal es Berthe Morisot, su cuñada pintora. Manet nunca quiso vender esta obra que le encantaba y cuando muere la adquiere el pintor Gustave Caillebotte, quien al año siguiente la dona al Museo del Louvre.

Pintó poco y solamente aparecen 2 o 3 pinturas en venta en subasta cada año. Un paisaje de una calle de París fue récord durante mucho tiempo al venderse en 25 millones en 1989, luego se vendió muy bien y en dos oportunidades un autorretrato fue pagado 33 millones. Finalmente el Museo Getty compró una elegante dama con sombrilla en 65 millones.

Son lindísimas sus pequeñas flores y floreros de 33 x 24 cm que se venden en un promedio de 10 millones de dólares (contado con liqui). Aquí en Buenos Aires en el MNBA hay una obra primeriza que ostenta un interesante “Pentimento”, cuando nos abran el Corralito vayamos a verla.

por Ignacio Gutiérrez Zaldívar

Nadie sabe cuándo se terminará el coronavirus ni sus nefastas consecuencias, los más optimistas pensamos que en Septiembre las cosas estarán normalizadas y tendremos al menos un cuatrimestre para recaudar algo, y que el déficit del año pueda ser absorbido por las reservas de las distintas galerías y casas de remate que sobrevivirán.

Los compradores e inversores necesitarán más tiempo para retornar al mercado con ESPERANZA Y CONFIANZA. Querrán ver cómo se comporta y cuál será el nuevo nivel de precios, hoy nada lo tiene, ni el arte, ni los inmuebles, ni los alimentos que compra el Ministerio de turno. El punto de referencia será cómo fue el mercado el año pasado en el 2019, y justo acaba de presentar su completísimo informe ARTPRICE que es el más certero de los medios que se ocupan de reflejar la información del mercado. Primera sorpresa es que el volumen de venta bajó un 14%, pero los precios subieron un 0,5%, el mejor momento del mercado fue en el 2011. Francia, como veníamos diciendo, creció un 18% , pero USA y Gran Bretaña bajaron en el monto de su volumen de ventas. Se vendieron en subastas en el año 550.000 pinturas, esculturas, dibujos, grabados y el 38% de lo ofrecido no encontró comprador. En China se mejoró el porcentaje de ventas, ya que generalmente más del 50% no se vendía porque la base era muy alta.

La obra más cotizada fue “Las Parvas” de Claude Monet que en 1986, 33 años atrás, se vendió en 2,5 millones, ahora se vendió en 111 millones de dólares, parece que al comprador no le importaron las “retenciones”… Ya que se valorizó 44 veces.

Una locura me pareció lo pagado por la escultura de Jeff Koons, de la cual hay 4 ejemplares, que se vendió en 91 millones y es la obra récord del arte contemporáneo, que es el que más recauda y se ha valorizado 20 veces en 20 años!!! ¿Quién lo hubiera sospechado?

Siguen siendo Picasso (más de 3000 ventas) y Monet los dos principales artistas de todos los índices de ventas, y curiosamente el tercero es un chino, ZAO, quien vivió en Francia y hoy sus obras son lo más cotizado en Hong Kong. Sus promedios de venta son muy sólidos, sus óleos 4 millones, un dibujo 100 mil dólares y los grabados 5 mil dólares. Hay otros 3 chinos entre los que más venden y también están nuestros admirados Magritte, Bacon y Rothko entre los más buscados.

Sotheby’s tuvo un gran año, aunque su comprador debe estar lamentándose de haber enterrado 3 mil millones de dólares en ella. Vendió 3.589.000.000, apenas 60 millones menos que Christie’s, la líder del mercado. Las otras dos casas de Occidente son Phillips y Bonhams, y las otras 5 principales son chinas que representan el 31% del mercado, no me sorprendería que fueran los chinos los líderes del mercado en el próximo balance que haremos en el 2021. Acá en Argentina 3 remates on-line están tanteando el mercado.